Stéphane Boudin-Lestienne “Paul Tissier, L’architecte des fêtes des Années folles” (éditions Norma), prix Paul-Marmottan 2022

Docteur en histoire de l’art, Stéphane Boudin-Lestienne a longtemps travaillé à la villa Noailles d’Hyères en tant que chercheur et commissaire d’exposition. Depuis 2020, il enseigne l’histoire de l’architecture et du design à l’École Camondo Toulon.
Son travail est principalement axé sur la redécouverte des avant-gardes du XXe siècle ou de l’art contemporain. Aimant à enquêter sur des personnalités oubliées ou méconnues, il a ainsi consacré sa thèse de doctorat à Paul Tissier, architecte mais aussi auteur de fêtes parmi les plus exubérantes et audacieuses des Années folles. Sa monographie parue aux éditions Norma a été récompensée par le prix Paul-Marmottan 2022.

Stéphane Boudin-Lestienne, à la bibliothèque Marmottan, 11 janvier 2023
Photographie : Brice Ameille

Entretien avec Stéphane Boudin-Lestienne, réalisé à la bibliothèque Marmottan le 11 janvier 2023

Brice Ameille. Je ne crois pas trop m’avancer en disant que peu de personnes, avant la parution de votre livre, savaient qui était Paul Tissier. Comment en êtes-vous venu à étudier sa vie et son œuvre ?

Stéphane Boudin-Lestienne. Paul Tissier fait partie de ces très nombreux artistes qui ont été oubliés au cours du XXe siècle et, de façon plus générale, dans l’histoire, parce qu’ils n’ont pas eu le temps de construire leur postérité. J’ai pu constater qu’une postérité, c’est vraiment quelque chose qui se construit : s’il n’y a pas quelqu’un qui s’en occupe, qui est « aux manettes », si je puis dire, c’est rare que votre œuvre vous survive, à moins d’un miracle.

B. A. Et pour vous ou, plutôt, pour Paul Tissier, quel a été ce miracle ?

S. B.-L. Tout d’abord, il a eu la chance d’avoir une veuve qui a pieusement conservé son travail et sa mémoire. À la fin des années 1940, lorsque Gisèle Tissier-Grandpierre 1, qui mène alors avec un certain succès une carrière dans la haute-couture, rachète la villa Beau-Site à Nice, elle y dépose, en même temps que sa collection de harpes et d’instruments de musique, toutes les archives et tous les travaux de son défunt mari. Le déménagement fut si impressionnant, avec un déluge de malles et de valises, que quarante ans plus tard, on s’en souvenait encore dans le voisinage. Mais pour que le « miracle » advînt, il a fallu une rencontre, celle de Gisèle Tissier avec Patrick Le Nezet. Arrivé à Nice en 1984 pour monter un restaurant, celui-ci trouve à se loger chez la veuve de l’artiste qui lui loue un petit pavillon attenant à sa villa. Patrick ne tarde pas à devenir le confident de Gisèle et un jour qu’ils se promènent tous deux dans le jardin, il s’arrête devant une grosse boule de cuivre qui l’intrigue. « Ah, ça, c’était une boule à facettes, avant… », lui répond Gisèle. Et de lui raconter alors les grandes fêtes qu’organisait Tissier dans les Années folles sur la Côte d’Azur. Elle l’a invité ensuite à explorer les cartons entreposés dans la cave et Patrick y a découvert une masse prodigieuse de documents et d’œuvres. Il a alors décidé qu’il fallait absolument les sauvegarder et a mis en place une association des amis de Gisèle Tissier et fait inscrire la villa Beau-Site à l’inventaire des Monuments historiques.

Paul Tissier costumé pour le bal des Quat’z’Arts, Paris, 1912, © Association Fêtes d’art

B. A. Pour votre part, c’est au début des années 2000, que vous entrez en scène…

S. B.-L. J’avais fini mon DEA [Master 2] sur « Les images immatérielles dans l’art contemporain » et je venais de commencer à travailler à la villa Noailles, à Hyères, quand une amie – qui étudiait les poupées conçues par Gisèle Tissier – m’a présenté à Patrick. Un jour que je l’aidais à ranger la cave de Beau-Site, il m’a conseillé de jeter un œil à une malle qui contenait les travaux d’architecte de Tissier. J’ai alors découvert des rouleaux et des rouleaux, des dessins incroyables, réalisés qui plus est à des dates précoces… J’ai immédiatement mesuré la qualité de l’architecte. Quatre heures plus tard, Patrick redescendait à la cave et me voyait plongé au milieu de plusieurs tas de papiers. J’avais ouvert la malle aux trésors ! Et, accessoirement, j’avais trouvé mon sujet de thèse !

B.A. Alors, qui était Paul Tissier, au juste ? Un architecte ? Un créateur de fêtes ? Quelle était sa principale activité, son principal métier ?

S. B.-L. La base, c’est l’architecture, mais l’architecture dans toute sa puissance, dans toutes ses potentialités – parce qu’on a trop tendance à voir dans l’architecte le seul concepteur du bâtiment, alors qu’il peut faire bien d’autres choses et qu’il se signale également par ses qualités d’organisation. Un architecte, c’est aussi celui qui organise le chantier, qui fédère les gens autour de son projet. En ce sens, le parcours de Paul Tissier, qui commence par étudier l’architecture à l’École des beaux-arts – il y entre en 1904, à l’âge de 18 ans – et finit en concevant de splendides fêtes pour la haute société, n’est pas sans cohérence. S’il parlait de cette dernière activité comme d’une « profession singulière que m’ont donnée les circonstances », le succès qu’il y rencontre aussitôt montre bien qu’elle correspondait à son esprit, à son tempérament et même qu’elle n’était, en fait, pas si éloignée de ses premières amours. D’ailleurs, son travail d’architecte n’est pas du tout freiné par les fêtes, bien au contraire.

Cottage type I, perspective avec surélévation, tirage rehaussé d’aquarelle ; série « Constructions modernes », 1921, © Association Fêtes d’art

B. A. Quelles sont ses réalisations en architecture ?

S. B.-L. S’il est embauché en 1910 dans l’agence d’un grand architecte et part peu après en Roumanie sur le chantier d’André Lecomte du Nouÿ, chargé de la restauration de nombreux édifices civils et religieux, la guerre vient brutalement interrompre cette carrière naissante. Tissier participe aux combats et il est blessé à la jambe au cours de l’un d’eux. Tombé malade, il reste à l’arrière et se remet à l’aquarelle, qu’il pratiquait avec une très grande maîtrise. Les destructions causées par le conflit dans l’Oise et la Meuse deviennent le principal sujet de ses dessins, qu’il expose avec succès. Du point de vue de l’architecture, les choses tournent autrement : s’il gagne en 1914 le concours pour construire l’hôtel des postes de Beauvais, il apprend à l’issue de la guerre qu’on a finalement préféré un autre projet au sien. On lui confie donc la réalisation de l’hôtel des postes de Bar-le-Duc mais des ennuis judiciaires font là encore avorter le projet. L’espoir d’une carrière officielle s’envole. Il juge la reconstruction d’après-guerre une « attristante cacophonie », déplorant, amer, que les architectes n’aient malheureusement trouvé aucun décideur soucieux de chercher une « beauté nouvelle, sobre, ordonnée et appropriée au sujet ». Mais il ne renonce pas et, après avoir réalisé des logement provisoires en bois, il réfléchit à des logements préfabriqués avant de développer la construction sur catalogue en proposant, dès le début des années 1920, des villas pour la Côte d’Azur. Malgré le demi-échec de sa Société de constructions modernes, Tissier commence à se faire un nom. On lui demande de nombreux projets, essentiellement d’habitation de villégiature, et il en réalise une douzaine. La célébrité que lui acquièrent ses fêtes pour les grands hôtels de Nice lui amène de nouveaux commanditaires, pour lesquels il va construire les « villas blanches », telle la villa Lumière pour le comte de Clinchamps sur le mont Boron.

Paul Tissier, Villa pour Jacques Richepin et Cora Lapacerie, cap d’Antibes, 3e version, mine de plomb sur calque, 17 avril 1926, © Association Fêtes d’art

B. A. Avant d’aborder ces fêtes, j’aimerais revenir sur les différentes expériences de Paul Tissier au sein d’associations telles que les « Quat’z’Arts » ou « Le Violon d’Ingres ».

S. B.-L. Mélomane et jouant lui-même de l’alto, Tissier profite de sa scolarité aux Beaux-Arts pour lancer, dès 1909, une société musicale. Il a remarqué que de très bons concerts de chambre se tenaient de temps à autre dans les ateliers et s’est dit que cela pourrait être une bonne idée de fédérer tous ces jeunes artistes en les regroupant au sein d’un orchestre qui soit comme une sorte d’ambassade de l’École. C’est ainsi qu’il devient le président de l’Association symphonique de l’École des beaux-arts. Rebaptisée deux ans plus tard « Le Violon d’Ingres » et parrainée par Gabriel Pierné, Gabriel Fauré et Gustave Charpentier, elle se veut au service de la musique française contemporaine. C’est à ce moment-là qu’il fait la rencontre de celle qui sera sa femme, Gisèle Grandpierre, harpiste professionnelle et fille d’un riche fabricant de bronzes d’arts. C’est également à ce moment, de 1911 à 1913 – c’est dire combien la période est capitale tant dans sa vie personnelle que professionnelle –, qu’il préside le comité des Quat’z’Arts. Il n’est plus élève aux Beaux-Arts, mais comme il s’était largement investi dans la vie estudiantine pendant sa scolarité, il a toute la légitimité pour endosser une telle responsabilité. Doué d’un entregent et d’un sens exceptionnel de l’organisation, la sympathie qu’il inspire, le charme qu’il exerce, lui permettent d’emporter l’adhésion et de prendre plusieurs initiatives.

B. A. Pouvez-vous rappeler en quelques mots ce qu’étaient les « Quat’z’Arts » ?

S. B.-L. Il existe toute une tradition, au XIXe siècle, des fêtes d’atelier qui puisent généralement leur thème dans l’Antiquité, prétexte à la création de déguisements et de décors. C’est cette tradition que reprend en 1892 Henri Guillaume, le massier2 des élèves architectes pour fonder les « Quat’z’Arts », un bal costumé satirique et irrévérencieux qui a lieu une fois l’an et donne lieu à des blagues potaches comme à des exhibitions de nudités qui lui assurent une réputation sulfureuse et quelques démêlés avec la justice. À l’occasion de cette fête, tous les ateliers étaient mis à contribution : les architectes dessinaient le plan de la salle, les sculpteurs fabriquaient les armes et les casques, les peintres réalisaient les décors… Isabelle Conte va d’ailleurs publier un ouvrage très complet sur cette véritable institution estudiantine qui perdura jusqu’en 19663.

Tenture masque antique, 4 x 4 m, peinture à la colle sur tarlatane ; décor pour « Le Banquet chez le proconsul » à l’hôtel Ruhl, à Nice, le 30 janvier 1924, © Association Fêtes d’art

B. A. Cet univers festif, Tissier le retrouve donc dans les Années folles, en 1924, plus exactement. Comment en vient-il à travailler pour les grands hôtels de la Côte d’Azur ?

S. B.-L. Depuis 1921, du fait de son activité d’architecte, Tissier se rend régulièrement sur la Côte. On  ne sait pas très bien comment il rencontre Alfred Donadei, propriétaire de l’hôtel Ruhl et président de la Société des grands hôtels de Nice, mais ce qui est sûr, c’est que cette rencontre ne pouvait pas mieux tomber pour le futur sénateur. Donadei se trouve en effet confronté à la concurrence de la ville de Cannes, où le peintre Jean-Gabriel Domergue, qui a pris le relais du couturier Paul Poiret, vient de réaliser à l’hiver 1923 des fêtes particulièrement brillantes. C’est dans ce contexte de rivalité entre les deux villes les plus touristiques de la Côte d’Azur, Cannes et Nice4, qui se disputent le titre de capitale de la villégiature d’hiver, que Tissier fait ses débuts en tant que créateur de fêtes. Donadei entend faire du Ruhl, situé sur la promenade des Anglais, le lieu de la renaissance niçoise et donne à l’architecte les moyens de son ambition. Les projets sont publiés avant les fêtes dans L’Illustration, participant de la large publicité qui leur est assurée par les prospectus, les affiches et toutes sortes d’annonces.

B. A. Et le succès est-il au rendez-vous ?

S. B.-L. Oui, il est immédiat. La première année, Tissier réalise à Nice, pour la saison d’hiver (de janvier à mars, à raison d’une date par mois) : « Le Banquet chez le proconsul », « Un repas de noces en Russie » et la « Fête des lanternes ». À partir du printemps, il investit les casinos de Chamonix et de Boulogne-sur-Mer avec une « Fête japonaise » et une « Nuit moscovite », et l’été la Kursaal d’Ostende avec une « Fête de la Mer ». En décembre, il est à l’Embassy Club de Londres pour « Séville » et, à nouveau, la « Fête de la Mer ». Car Tissier pense très vite à l’adaptabilité des décors. S’il les conçoit originellement pour le Ruhl, il tient aussi à ce qu’ils soient modulables afin qu’ils puissent être réemployés dans un autre environnement. Une même fête peut donc se retrouver dans des villes différentes. Les deux années suivantes, 1925 et 1926, l’activité se développe encore plus, avec toujours un ancrage très fort à Nice, au Ruhl en particulier, qui accueille « L’Oasis », « Les Joujoux », « La Jungle », « Le Triomphe de la mode » ou encore « La Danse que vous préférez ».

Affiche pour la Fête japonaise du 12 août 1924 au casino de Boulogne-sur-Mer, © Association Fêtes d’art

B. A. On le comprend avec la rivalité cannoise que vous évoquiez, il y a à l’époque toute une économie des festivités. En quoi Tissier se distingue-t-il des autres créateurs de fête ?

S. B.-L. Il n’est pas facile de répondre à cette question dans la mesure où la fête est un art de l’éphémère et que, très souvent, la documentation fait défaut. Ainsi, on ne trouve quasiment rien dans les archives de Jean-Gabriel Domergue, de Jacques Carlu ou de Louis Süe (pourtant le fondateur, avec André Mare, de la Compagnie des arts français et l’un des meilleurs représentants de l’Art Déco). Picabia a également fait des fêtes dans les années 1930, Jacques-Henri Lartigue aussi, tout comme l’affichiste Paul Colin – mais à chaque fois, il ne reste rien. Tout ce que l’on trouve à leur sujet est dans la presse. C’est pourquoi le fonds Paul Tissier est vraiment exceptionnel. La majeure partie des décors d’origine a été conservée, on a les plans, les dessins, la correspondance, les articles, de nombreuses photographies. C’est inestimable. Si je ne peux pas me prononcer sur les fêtes des autres artistes, j’ai donc une connaissance assez précise de sa conception ou de sa vision de la fête.

Tenture de fond, 4 x 5 m, peinture à la colle, paillette dorée sur tissu d’ameublement moiré ; décor pour un gala de danse, hôtel Ruhl, 1925, © Association Fêtes d’art

B. A. Et quelle est-elle ?

S. B.-L. D’abord, Tissier cherche toujours à transformer complètement le lieu qu’il investit. Il veut en faire oublier la structure, l’architecture. Pour sa fête romaine, par exemple, il ne conserve de visibles que les colonnes de la grande salle du Ruhl. Tissier était érudit : il connaissait les fêtes de l’Ancien Régime, celles des Valois, les fêtes flottantes de Louis XIV, les « Plaisirs de l’Île enchantée », l’importance des illuminations, le mariage du Dauphin en 1745 avec le faux ciel… Il a conscience de ce passé, de cette tradition et, d’une certaine façon, il entend la ressusciter, en retrouver la splendeur et l’émerveillement. Il souhaite lui aussi créer un concept global et ne pas se contenter de faire de la décoration : il ne décore pas un lieu, mais il en fait advenir un. Il crée un moment d’illusion. Ensuite, ses fêtes se signalent par un véritable souci d’authenticité. Tissier a un très grand respect pour les cultures qu’il met en scène. Pour la noce russe, il fait appel à des artistes de Saint-Pétersbourg et de Moscou ; pour la fête sino-japonaise, il demande au compositeur Yoshinori Matsuyama d’en écrire la musique.

Les gladiateurs du « Banquet chez le proconsul », le 30 janvier 1924 à l’hôtel Ruhl de Nice, © Association Fêtes d’art
On distingue à l’arrière-plan la tenture masque antique reproduite plus haut.

B. A. Pour finir, pouvez-vous nous décrire en quelques mots le déroulé d’une de ces fêtes ? Comment faut-il se les représenter ?

S. B.-L. Ce sont des fêtes qui ne durent qu’une nuit ou deux et qui rassemblent entre 400 et 600 personnes environ, naturellement issues pour la plupart de la très haute société (car le prix pour y assister est cher, comme un gala de l’Opéra), avec beaucoup d’étrangers. On y trouve aussi quelques journalistes et des personnalités originales ou à la mode, que Tissier se réserve le droit d’inviter. Il y a un dîner-spectacle qui se prolonge jusqu’au petit matin, avec jazz band et piste de danse. Le spectacle est de premier choix, avec un nombre impressionnant d’interprètes, de danseurs, de musiciens et d’acrobates… et même des animaux. Pour sa fête orientale, par exemple, il y a, dans l’oasis recréée, des fauves, un avaleur de sabre, des buveurs de thé bouillant, une charmeuse de serpent, une danseuse du ventre… Et soudain, l’oasis est attaquée ! C’est la panique ! Car Tissier aime jouer avec son public et il lui réserve des surprises. Les numéros se succèdent, selon un scénario scrupuleusement écrit. Souvent, le rôle de M. Loyal est tenu par le pittoresque André de Fouquières, mais tout est supervisé par Tissier, véritable homme-orchestre, à la fois metteur en scène et imprésario. Il est toujours présent à ses fêtes, déguisé selon le thème retenu, car il est comme chez lui au milieu des artistes, dans la joie et la bonne humeur.

Vélum dragon, 9,60 x 3,90 m, peinture à la colle sur tarlatane ; décor pour la « Fête des lanternes » à l’hôtel Ruhl de Nice, le 19 mars 1924, © Association Fêtes d’art
  1. Au moment du décès de son mari, elle se fait appeler Gisèle Paul Tissier à la fois pour signifier qu’elle est veuve et qu’elle a la légitimité de mener à bon terme la dernière saison de fêtes à Biarritz. []
  2. Le massier était une sorte de délégué de classe, un élève élu par ses camarades pour les représenter et pour assurer diverses tâches, notamment la gestion des finances communes de l’atelier. []
  3. Isabelle Conte, Quat’z’Arts. L’art en fête à l’École des beaux-arts, Paris/Bruxelles, AAM Éditions, 2023. []
  4. Cannes cherche à voler la vedette à Nice qui, depuis la guerre, apparaît un peu démodée. []

« Eugène de Beauharnais, un prince européen » (château de Bois-Préau, octobre 2022-janvier 2023)

C’est avec un réel plaisir que nous nous sommes rendu à Rueil-Malmaison pour voir l’exposition « Eugène de Beauharnais, un prince européen », déployée non pas au château de Malmaison, mais à celui de Bois-Préau – ce qui constitue déjà en soi un événement notable.

L’élégant bâtiment était effectivement fermé au public depuis presque trente ans. La cause en était un insecte xylophage qui nécessitait une désinfestation complète et d’importants travaux, trop longtemps repoussés. Après une restauration et une mise au norme supervisées par l’agence de l’architecte Philippe Maffre, le château de Bois-Préau, acquis par Napoléon après son divorce d’avec Joséphine, a donc rouvert au début du mois d’octobre 2022 pour proposer au public une belle monographie consacrée à la figure attachante mais méconnue d’Eugène de Beauharnais (1781-1824).

Vue de l’exposition avec, au premier plan le Portrait en buste d’Eugène de Beauharnais (1839) de Butz, conservé au château de Malmaison

Riche de quelque cent cinquante objets (tableaux, sculptures, meubles, bijoux, vaisselle, documents…), le parcours de l’exposition, scandé en cinq moments et d’une grande lisibilité, suit la chronologie, depuis les premiers faits d’armes d’Eugène sur les champs de bataille jusqu’à ses différentes résidences en France, mais surtout en Italie et en Bavière, en passant par son mariage réussi – et si central dans sa vie – avec Auguste-Amélie.

Fils du vicomte Alexandre de Beauharnais et de Marie Josèphe Rose Tascher de La Pagerie, future impératrice Joséphine – et châtelaine de Malmaison –, Eugène passe son enfance tantôt auprès de sa mère et de sa sœur Hortense qu’il adore, tantôt dans des pensionnats, mais voit rarement son père, militaire de métier, qui meurt d’ailleurs prématurément, victime de la Terreur révolutionnaire en 1794. Il ne tarde cependant pas à trouver en la personne du jeune général Bonaparte, que Joséphine épouse en mars 1796, un père de substitution qui se révèle affectueux et sincèrement soucieux de son sort. Eugène le lui rend bien et se montre d’emblée particulièrement dévoué. Il devient ainsi l’aide de camp de Napoléon et l’accompagne dans sa première campagne d’Italie ainsi que dans son expédition d’Égypte.

En dehors du théâtre de la guerre – évoqué notamment par un sabre utilisé en 1803 ainsi qu’un habit de général de division porté lors de la campagne de Russie –, Eugène de Beauharnais est un homme du monde accompli qui anime, avec sa sœur, la vie sociale et mondaine de Malmaison que fréquente toute l’élite du Consulat. Napoléon, qui l’a nommé commandant du régiment des chasseurs à cheval de la garde consulaire et décoré de la Légion d’honneur (première promotion), lui offre le domaine de La Jonchère, à proximité immédiate de Malmaison, ainsi qu’un hôtel particulier dans la capitale au 78, rue de Lille, en face du palais des Tuileries.

Fauteuil, console et paire de vases provenant de l’hôtel de Beauharnais à Paris.
Bergère de François-Honoré-Georges Jacob-Desmalter, v. 1803-1805, 100 x 73,5 x 67 cm, provenant de l’hôtel de Beauharnais

Eugène de Beauharnais, qui lui donnera son nom, va faire de cet hôtel « la plus belle maison de Paris ». Avec un goût sûr et sans regarder à la dépense, il aménage avec Joséphine les appartements dans le style du Consulat et du début de l’Empire, laissant le meilleur témoignage parisien de l’art décoratif d’époque napoléonienne. De manière exceptionnelle, plusieurs meubles et objets ont quitté l’hôtel, aujourd’hui résidence de l’ambassadeur d’Allemagne1, pour rejoindre les salles de Bois-Préau : une bergère de Jacob-Desmalter, une console en acajou et bronze à plateau de granit vert attribuée au même artiste, un fauteuil issu du salon des Quatre Saisons, ou encore une paire de vases en albâtre peint.

L’ascension militaire d’Eugène de Beauharnais se poursuit : il devient général de brigade en 1804, puis colonel-général des chasseurs à cheval et grand officier de l’Empire. En juin 1805, alors qu’il n’a pas encore 24 ans, il est fait vice-roi d’Italie et prend le commandement des troupes basées dans le pays (soit une armée de 108 000 hommes). Dans la foulée, Napoléon le pousse à s’unir avec Auguste-Amélie, fille du roi Maximilien Ier de Bavière, pour consolider les alliances internationales et assurer sa mainmise sur l’Europe. Ce mariage de raison s’avèrera une union particulièrement heureuse, fondant une dynastie dont sont issus la plupart des monarques actuels d’Europe du Nord.

La descendance d’Eugène de Beauharnais et d’Auguste-Amélie de Bavière

Plusieurs portraits, peints grandeur nature ou en miniature (tels ceux d’Abraham Constantin pour un bracelet), sont là pour rappeler le grand amour d’Eugène pour ses nombreux enfants (sept dont un qui meurt en bas âge), qu’il surnomme ses « petits choux » et qu’il fait souvent représenter en angelots, notamment par Joseph Stieler, en 1814-1816.

Reconstitution de la chambre à coucher d’Eugène de Beauharnais au palais de Leuchtenberg avec le portrait de ses cinq enfants aînés par Joseph Stieler (1814-1816, Munich, Residenz München)

Après la France, Eugène ouvre donc un nouveau chapitre de son existence, sans doute le plus heureux, en s’établissant avec sa fraîche épouse à Milan, la capitale du royaume italien, qu’il entreprend d’embellir par des travaux d’urbanisme. Le couple fait du Palazzo Reale de Monza sa résidence préférée, et Eugène porte son parc à l’anglaise à près de 700 hectares. Comme sa mère, il s’intéresse de près à la botanique et fait bâtir une pépinière ainsi que deux serres. Sur ce domaine se trouve aussi la villa Mirabellino (représentée par un dessin prêté par la bibliothèque Marmottan2), qu’il offre, après l’avoir restaurée et rebaptisée villa Augusta, à sa femme à l’occasion de la naissance de leur premier enfant, Joséphine.

Plan du parc du Palazzo Reale de Monza avec, accroché au fond, un dessin de la villa Mirabellino appartenant à la bibliothèque Marmottan

Peu après, les deux époux se font peindre par François Gérard dans deux grands – et beaux – portraits en pied, qui seront emportés à Stockholm (où ils sont conservés) par leur fille aînée au moment de son mariage avec le roi Oscar Ier de Suède.

François Gérard, Le Vice-roi Eugène de Beauharnais, 1810-1811, huile sur toile, 229 x 161 cm, Stockholm, Oscar II Foundation

Nul doute qu’Eugène de Beauharnais ait apprécié les toiles, lui qui profite de son installation à Milan pour agrandir sa collection de tableaux italiens (du XVIe et du XVIIe siècles, pour l’essentiel) et mener une active politique culturelle en faveur des jeunes artistes en soutenant leur formation à l’Académie des sciences, lettres et arts et en favorisant la tenue de concours annuels. Surtout, il contribue grandement à l’essor de la pinacothèque de Brera3, à laquelle il souhaite donner un caractère national en représentant autant que faire se peut les différentes écoles d’Italie. Enrichi par les saisies napoléoniennes opérées dans les églises, le musée bénéficie aussi des achats4 et des dons5 d’Eugène, qui se rêve prince des arts.

Mais le ciel s’assombrit à partir de 1812 : avec les débâcles en Russie puis en Allemagne, Eugène comprend que l’Empire vit ses derniers moments. Sur un plan plus personnel, ses relations avec Napoléon se tendent, celui-ci le désavouant injustement – alors qu’il s’était efforcé d’être au plus près de sa volonté, lui qui a adopté pour devise « Honneur et fidélité ». Après la chute de l’empereur, il négocie auprès des alliés et de Louis XVIII afin de préserver sa situation. Son sort est réglé au congrès de Vienne : il obtient, en échange de sa neutralité politique, des terres sur le territoires de son beau-père le roi de Bavière et le titre de duc de Leuchtenberg. Établi à Munich à partir de 1814, devenu prince d’Eichstätt, il fait construire par l’architecte Leo von Klenze un palais néo-Renaissance fonctionnel et luxueux (pas moins de 250 pièces !)6. Pièce maîtresse de la résidence, sa galerie de peinture se déploie au rez-de-chaussée – aux côtés d’un cabinet qui abrite le tout premier musée dédié à Napoléon – et brille par ses chefs-d’œuvre, tant ceux qu’il a accumulés (il continue d’ailleurs d’acheter – désormais surtout des paysages allemands) que ceux qu’il a hérités de sa mère Joséphine.

Réédition de 1851 du catalogue de Johann David Passavant et Johann Nepomuk Muxel, Galerie Leuchtenberg. Gemälde-Sammlung des Herzogs von Leuchtenberg in München, Francfort-sur-le-Main (bibliothèque Marmottan)

Eugène de Beauharnais n’a malheureusement guère le temps de profiter de son palais de Leuchtenberg. Trois ans après son achèvement, il meurt, le 21 février 1824, d’une attaque d’apoplexie. La dernière section de l’exposition est l’occasion de revenir sur ses derniers instants – l’émouvant testament dont la signature apposée in extremis traduit l’agonie, le masque mortuaire… – comme sur sa postérité. Sa veuve se bat pour défendre sa mémoire (que la calomnie d’un aide de camp menaçait) et commande à Leo von Klenze et Bertel Thorvaldsen un cénotaphe monumental, que l’on peut admirer encore aujourd’hui dans la nef de l’église Saint-Michel de Munich.

Testament d’Eugène de Beauharnais, 18 mars 1823 (Munich, BayHStA, BayHStA Familienarchiv Leuchtenberg 37) ; la signature n’est apposée que le 19 février 1824, deux jours avant sa mort
Modèle du monument du prince Eugène, vers 1830, d’après Leo von Klenze et Bertel Thorvaldsen, bronze, 53 x 37,5 x 16 cm

Toutes les photographies ont été prises par Brice Ameille à l’occasion de sa visite le 7 janvier 2023.

Une très belle visite virtuelle de l’exposition est proposée sur le site du musée national des châteaux de Malmaison et Bois-Préau, à l’adresse suivante : https://musees-nationaux-malmaison.fr/chateau-malmaison/visites-virtuelles

  1. Un héritage de sa vente en 1818 par Eugène de Beauharnais au roi de Prusse Frédéric-Guillaume III. []
  2. EN 460 []
  3. Un dessin de Michele Bisi (1809, bibliothèque Marmottan, EN 784) témoigne de l’aménagement des salles à éclairage zénithal. []
  4. Tel Le Mariage de la Vierge de Raphaël, devenu l’icône du musée. []
  5. Par exemple, plusieurs tableaux de sa collection personnelle, issus des fonds Sampieri et Arese. []
  6. Détruit pendant la Seconde Guerre mondiale, le palais Leuchtenberg a été reconstruit pour ses façades seules. Il est aujourd’hui occupé par le ministère des Finances bavarois. []

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